Christopher Pew creció en Lowbanks Ontario, Canada, una pequeña comunidad situada a lo largo de la costa del lago Erie.  Fue durante las primeras etapas de su vida que comenzó su interés por el arte y el dibujo. Se pasaba muchas horas al día haciendo dibujos o pintando cuadros para los amigos – algo que mantuvo hasta sus 20 años.

Al graduarse en un curso de diseño en Niágara en 1988, Christopher dejó el mundo de las bellas artes para seguir una carrera en diseño gráfico.Los PC se habían establecido recientemente como una herramienta clave para las artes gráficas, pero su talento y sus habilidades no se habían desarrollado en el diseño gráfico por ordenador. De 1988 al 2002, Christopher trabajó como artista gráfico para varias firmas de diseño, periódicos y revistas, pero poco a poco se daba cuenta de que se olvidaba de las bellas artes. Un día de Noviembre del 2003, tuvo un “salto de fe” cogió su pincel por primera vez en casi 20 años y comenzó a pintar. Teniendo una familia joven y un estilo de vida de “facturas a pagar”, no resultó una tarea fácil, pero terminó arreglándoselas con su trabajo y las exposiciones que fueron saliendo.

En Octubre del 2006, Christopher empezó a realizar pinturas en un día o menos. Esto se convirtió en la materia prima para su serie “Postcard Daily Study”, la cual, aunque no con tanta frecuencia, continua hoy día. Estas pequeñas pinturas se han convertido en un elemento de colección en todo el mundo, y nuevas piezas van siendo añadidas continuamente.

Hoy en día, el trabajo de Christopher encarna su filosofía única hacia la vida. Cada pieza es la interpretación individual de una historia. Modelos únicos, disposición de los colores, la colocación de sujeto y el juego entre la luz y la oscuridad son sólo algunas de las áreas que hacen del trabajo de Christopher Pew un viaje interesante a la naturaleza de su propio descubrimiento.

Christopher está involucrado actualmente en varias nuevas series de trabajo las cuales serán exhibidas en distintos eventos de varias ciudades de América del Norte, con planes para llevarlos finalmente a llevarlos a otras partes del mudo. Cada serie trae consigo una nueva dirección para el artista, una nueva visión y una nueva expresión de creatividad y exploración. Su trabajo ha sido expuesto en Nueva York, Ontario, Canada Occidental, y en eventos ubicados en su ciudad natal en la región de Niágara. Sus obras se venden en todo el mundo.

Connie Lim es una ilustradora y diseñadora con sede en Los Ángeles, que nos presenta sus primeros trabajos en ilustración de moda con su serie Playing Cards. Con una web todavía en construcción, Lim juega sus cartas con la descripción de la colección de Alexander McQueen (2009) en una serie de ilustraciones que combina la moda y la famosa baraja con elegancia y un toque fantasmal y algo gótico. Connie también se permite experimentar con diversos estilos de Manga y en general nos presenta unas mujeres valientes que se sienten seguras y se saben peligrosas. Una ilustradora en pleno crecimiento a la que seguirle la pista.

Stella Im Hultberg es una pintora nacida en Corea del Sur que ha vivido en Seul, Hong Kong, Taiwan y que actualmente vive y trabaja en Brooklyn, California. Stella estudió diseño industrial, trabajando como diseñadora de juguetes antes de caer por casualidad en el mundo del arte hace tan solo unos años, y formarse de forma autodidacta. Cuando no está pintando o dibujando, a Stella le gusta comer, ir en bicicleta o hacer los crucigramas del New York Times.

“Restless Silence”

“Falling Awake”

Las pinturas de Stella Im Hultberg se conciben en diversas combinaciones de tinta, acuarelas y óleos sobre papel, madera y tela. Las mujeres de sus retratos son resaltadas a base de líneas fluidas con tonos suaves que les confieren una singular belleza alejada del estereotipo de nuestro tiempo. Stella fue parte de un grupo de artistas femeninas que realizaron una serie de exposiciones colectivas a través de la costa Oeste de Estados Unidos y finalmente por todo el país.

“And the Wind Whispers…”

“Dust”

El trabajo de Stella siempre ha tratado diversas formas de su identidad personal reflejada a través de sus mujeres. En sus últimas creaciones, las cuales ha expuesto hace poco en Los Ángeles bajo el título “Penumbra”, hay un nuevo órgano de trabajo que pasa por una transformación debido a la muerte trágica de familiares y lesiones personales. Sus cuadros se vuelven más oscuros e inquietantes, sin perder esa belleza mórbida que la caracteriza, alejándose algo más del erotismo delicado de sus anteriores composiciones aunque sin perder esa insinuante sensualidad que hace de sus mujeres una marca de identidad característica. 

“Hollow”

“In Particular”

“En algún lugar, en el fondo, la identidad es algo en lo que siempre se basan mis obras, no sólo la propia identidad, sino la identidad como parte de la vida. Creo que la mayoría de nosotros pasamos la vida pensando porque estamos viviendo . Tratar de cerca con la muerte y la lesión hace que te das cuenta de la fragilidad de la identidad y de la vida … En un momento puedes estar vivo y en el siguiente ya te has ido.” (Stella Im Hultberg)

“Secrets”

“Silently”

Además de su web, el trabajo de Stella Im Hultberg se puede ver en Flickr.

“Ouroboros”

“All in a Whisper”

“Unwillingly Mine”

“Foregone, Broken”

“Hearts Beats”

“The Other Side”

“Wasted Heart”

“Let Go”

“Ina”

Santiago Olivera es un artista nacido en Maldonado, Uruguay. Según el mismo reconoce, empezó realizando tatuajes y, aunque es un poco pronto para decirlo, está seguro que acabará haciendo eso para vivir, para lo cual alienta a tatuadores y otros espectadores, a contemplar y dar su opinión sobre sus tatuajes. “Soy bastante consciente de las cosas que me faltan todavía, y de las cosas en las que tengo que trabajar. Estoy intentando estar (aunque probablemente nunca lo estaré) satisfecho con algunos de mis trabajos.”

“Dye and Steam”

“Last Song”

Santiago Olivera trabaja (además de los tatuajes) sobre todo el Arte Digital con photoshop como herramienta a usar, aunque no pierde ocasión de experimentar con el Arte Tradicional, con telas, pinturas o aerosoles. Sus personajes suelen ser seres extraños que tanto participan en portadas de libros, como sirven para modelos de gráficos tatuajes que también nos muestra en su web. El ambiente general de sus ilustraciones es oscuro e inquietante, haciéndonos divagar levemente entre la belleza y temor. Su obra, se puede ver también en su deviantArt.

“Iori”

“Embrace the Sky”

“Van Dread”

“Show me Love”

“Red Widow”

“Doberman”

“Cheerleader”

“Everynight I Burn”

“Almost Angelic”

“SNOW”

“Jedah”

“Fetish?”

“Androide”

Charles Huxley es un artista digital Italiano nacido en Florencia una fría tarde de Enero de 1980. Después de una considerable complicación, Charles salió gritando contra el mundo, algo que tal vez le ha llevado a crear esos paisajes oscuros y complejos. Sus obras son historias reales de una imagen. Historias de investigación, ambientes de ensueño, casi esotéricos. Es un poco como mirar a través del ojo de una cerradura. Un circo de serpientes, de demonios y de mujeres hermosas.

Fernando Bayona es un fotógrafo  nacido en Linares, Jaén, en 1980. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Máster de Fotografía y Diseño Visual en NABA, Milán. Cuenta con una larga trayectoria y proyección nacional e internacional, como se puede comprobar por su gran número de exposiciones, becas y premios obtenidos, que han hecho que su trayectoria haya empezado a ser reconocida desde diferentes sectores.

“Nacimiento – Circus Christi Series”

“Jesús predicando – Circus Christi Series”

En su web encontraremos su trabajo dividido en varias series, que también han pasado por diversas exposiciones. En cada una de ellas hay una introducción a modo de prólogo explicativo, para dar paso al mundo mágico, extraño y simbólicamente real de sus fotografías. En ellas se aprecia la labor de producción, la técnica y una clara intencionalidad creativa. Tiene una web dinámica que te permite interactuar por toda la página descubriendo diferentes espacios, como su blog o behind donde nos muestra imágenes de su equipo y todo el atrezzo, muy interesante. También encontramos secciones de donde hemos sacado el texto para completar el post y que se pueden leer o descargar. Sus series se pueden disfrutar perfectamente por separado o como continuación de una misma historia, la historia de un contador de historias. Aunque su última exposición ha traído una algo inexplicable polémica, conocer el conjunto de su trabajo nos hace llegar a la conclusión de que estamos ante un artista con un criterio y un estilo propio y bien definido que parte de una labor creativa para expresar sus inquietudes y las de muchos otros.

“Bautismo – Circus Christi Series”

“Jesús y Maria Magdalena – Circus Christi Series”

“Presentación en el Templo – Circus Christi Series”

“Beso de Judas – Circus Christi Series”

Fernando Bayona articula la producción de sus obras partiendo de objetos y vivencias cotidianas, ancladas en la mas simple de las rutinas diarias. La mayor parte de sus obras indagan en la reflexión sobre las relaciones humano-amorosas y la identidad del sujeto. “Nunca soy lo que se espera de mí. Al contrario que otros de mi generación, mi obra adolece de continuidad. Sin predisposición consciente a una trayectoria desconcertante, aparezco y desaparezco con cada colección; soy un creador desobediente y mi estilo no es reconocible como el de otros.” (F. Bayona)

“Última cena – Circus Christi Series”

“Crucifixión – Circus Christi Series”

Aborda el amor como concepto clave del comportamiento humano y sus consecuencias, explora en los aspectos más íntimos de nuestra relación con los otros, y con nosotros mismos, siendo el amor el vínculo y motor de ambas relaciones. Lo utiliza como excusa a través de la cual realizar todo un discurso en el que trata de dar respuesta a las cuestiones que el mundo le plantean: las imposiciones sociales, el deseo, la represión, la pasión, los celos, la traición, la ira, la necesidad de huir y escapar de todo aquello que no se desea, la soledad, lo inestable de todo ello; las emociones, las personas y la vida en sí como mentira y escenario en el que transcurre todo.

“Piedad – Circus Christi Series”

“Resurrección – Circus Christi Series”

“No he encontrado un solo estilo por el que guiar cada extracción de mis sentimientos, por el que filtrar cada cosa que quiero decir; que necesito decir. En esta discontinuidad espontánea conservo sin embargo un mismo lenguaje, el de mis preocupaciones profundas, el de mis intereses perennes. En cada producción sólo hablo de amor, desamor, relaciones humanas, belleza, violencia, sexo, tensión, distensión. Busco redención en mis actos estéticos, sin más objetivo que seguir sintiéndome vivo a través de ellos. Construyo, o intento construir, mundos sucesivos que no controlo, que siempre me dejan la incógnita del siguiente y que comparten sólo el simple hecho de sucederse.” (F. Bayona)

“One Upon a Time Series”

“One Upon a Time Series”

En su última serie, titulada “Circus Christi”, el fotógrafo se ha basado en el Antiguo Testamento para realizar una interpretación personal. La serie de 14 fotografías fueron realizadas hace un año y ha sido exhibida en varias ocasiones en Granada y anteriormente no había ocurrido nada. Sin embargo la Universidad de Granada clausuró recientemente dicha muestra, ante las protestas de asociaciones de vecinos, del  obispo granadino que las tilda de blasfemas por sus títulos, y de grupos ultra católicos de extrema derecha. El autor ha llegado a recibir amenazas muy graves por parte de estos grupos, algo que nos indica el nivel intelectual y de libertad que todavía corre en pleno siglo XXI por nuestras tierras. Nosotros no nos vamos a ceñir a la polémica, sino que vamos a ver la obra y conocer al artista en toda su extensión para luego, como espectadores, disfrutar del evento y emitir nuestra propia valoración basándonos en el respeto.

“MilkAbouts Series”

“Whiteseeds Series”

“SweetHome Series”

“Box Series”

“Levedad Series”

Blackdante es un artista que nos llega desde Mocú de la mano de esa excelente comunidad de talentos de los países del este que es photosight, que no tiene por costumbre ofrecer mucha información acerca de estos. Las imágenes de blackdante, nos ofrecen una buena dosis de  fantasía e imaginación a base de foto-composiciones bien estructuradas y finalizadas que poseen un esmerado cuidado en el detalle y en el concepto. Perfectamente elaboradas, cada una de ellas nos muestra un pasaje de algún libro sagrado imaginario y no escrito, pero igual de válido.

“The Call of Cthulhu”

“Baptisma”

Curioseando con los apuntes que uno puede intuir (más que leer) gracias al ya casi  imprescindible traductor de Google, descubrimos en los comentarios de cada una de sus fotos un encabezado del propio blackdante con lo que son distintos fragmentos de poesía y prosa que, junto a los títulos de las imágenes, completan la función. Una representación casi perfecta de alguna tragedia griega pasada por el turmix de las nuevas tecnologías. El impacto visual es casi perfecto pero aún así viene reforzado con una peculiar simbología y un también peculiar sentido del humor que ya hemos visto en algunos trabajos de otros artistas del este que también han desfilado por el blog. Ellos crean su mundo imaginario y nos hacen partícipes del espectáculo.  (Clic en imagen para ampliar)

“Inferno”

“Evolution”

“Saturnalia”

“Exorcism”

“Tetragrammaton”

“Reincarnation”

“Deus Ex Machina”

“Silence”

“Judas”

“Second Love of Elizabeth Bathory”

Brooke Shaden es un fotógrafa de 22 años nacida en Lancaster, PA, USA. Estudiará en la Universidad de Filadelfia y luego se trasladaría a Los Ángeles. Con un impresionante portofolio lleno de originalidad y cierto surrealismo creativo, Brooke nos demuestra como la imaginación y el esfuerzo pueden ser las mejores herramientas para crear un fantástico trabajo. “Hago casi todas mis fotografías en mi apartamento -cuenta- lo que suele resultar bastante difícil pues solo tengo una habitación, además de una pequeña cocina y un cuarto de baño. Por suerte para mi, tengo sin embargo una pared blanca y algo de luz solar”

“dinner of a half-plucked bird”

“a hierarchy”

Brooke Shaden empezó a trabajar en Flickr (donde aún tiene su cuenta) en diciembre del 2008. Su intención es transmitir emociones fuertes, fotografiar cosas que son o transmiten tristeza, ese será motivo de una de sus series llamada “Pequeñas Muertes”. “Creo que hay verdadera belleza en el sufrimiento, en la historia que va con el”. A Brooke le gusta también la poesía y el cine, involucrándose personalmente en cortometrajes que recorren los festivales del sector.

“sleepwalker”

“retention”

Brooke Shadem se inicia en la fotografía en diciembre del 2008, cuando se gradúa en la Universidad de Temple con una licenciatura en cinematografía e Inglés. Su pasión por la narrativa visual alcanza una nueva altura cuando se da cuenta de que se pueden crear nuevos mundos dentro de nuestro mundo. El objetivo de Broooke con la fotografía es hacer cosas hermosas que los demás encuentran inquietantes. Shaden trabaja con formato cuadrado con un énfasis especial en el post procesamiento.

“shock treatment”

“roast”

Brooke pone de manifiesto una nueva forma de creación de imágenes para nuestro tiempo “…el dramatismo re expresa un nuevo orden para la agenda de la fotografía feminista del siglo XXI”. Ella usa la forma femenina en lugar de la identidad femenina, es decir, rara vez muestra el rostro en sus fotografías, y en consecuencia los comentarios sobre los estereotipos femeninos. Este cuadro se ha convertido así en un espejo de nuestra propia vida que anima las angustias y las perturbaciones yuxtaponiéndolas con la belleza y lo profundo.

“violence of a still life”

“oxygen”

Los autorretratos para ella no son una autobiografía natural. Ella intenta situarse a si misma dentro de esos mundos en los que ella desea poder vivir, mundos donde los secretos flotan a la intemperie, donde lo imposible puede ser posible. La fotografía de Brooke cuestiona la definición de lo que significa estar vivo. Cuenta con un excelente blog donde nos cuenta todo acerca de sus fotografías, detallándonos el proceso de creación y distintas reflexiones sobre ella misma, su trabajo y su entorno.

“fetus”

“coinhabitance”

“a neglected figure”

“an imitation of form”

“reimagining people

“reversal of roles”

“the inconvenience of spirits”

“in the aquarium”

Vadim Stein es un fotógrafo de San Petersburgo, Rusia con un impresionante trabajo fotográfico en su mayoría en blanco y negro. Sus imágenes son una recreación de una realidad inventada por el mismo. Vadim abarca un sutil erotismo y una frágil sensualidad envuelta en conceptos abstractos nítidos y contundentes.  Su trabajo también se puede ver en Art Limited. (Clic en imagen para ampliar)

Raul Allen es un ilustrador que transforma en Arte el mundo de la ilustración. Color, movimiento y sobre todo esa pasión por contar historias que deja impresas con una técnica y una creatividad particular. Hemos hablado con el para que nos desvele algunos de sus secretos como artista y como persona, y realmente ha sido un placer y un lujo del que vamos a poder disfrutar todos. Raul nos ha enviado algunos de sus trabajos más recientes, pero en su web y en su blog podréis encontrar muchos más información que os dejarán gratamente sorprendidos. No os la perdáis. (Clic en imagen para ampliar)

enkil: La primera pregunta es ya un clásico en Uno de los nuestros. ¿Quién es Raul Allen?
Raul Allen: Es un personaje ficticio, mi idea de un ilustrador. Tiene sus neuras y sus inseguridades a pesar de tener un gran talento y según su novia trabaja demasiado. La elección del apellido Allen no tiene nada que ver con su pariente lejano cineasta. Los rasgos de su personalidad tampoco. Algunos amigos me comentan que es un personaje estereotipado, pero yo creo que si añadiera excentricidades como que se dedica a domar gatos perdería credibilidad.

“Meet Canaima” - Cliente: Digital Temple Magazine (2009)

enkil: ¿Cuando te das cuenta de tu interés por la ilustración y que te lleva a dedicarte a ella?
Raul Allen: Con un amigo, cuando estábamos en clase en el colegio nos aburríamos como ostras y nos dedicábamos a intervenir las imagenes ilustrativas de los márgenes de los libros. Transformábamos a Churchill en un piragüista dominguero, a Sartre en Eugenio a mitad de un chiste. Aquello se convirtió en una competición feroz. Con una goma de lapicera eliminabas las partes no deseadas de la imagen y después todo valía para nuestros retoques, un lápiz, bolígrafos, fluorescentes, pinturas de colores. Desde entonces no he parado y simplemente elijo otras imágenes como punto de partida. Por desgracia mi hermana heredó unos libros completamente personalizados que perjudicaron en cierto modo sus estudios.

“Escritoras salvajes” – Cliente: Qué Leer (2009)

enkil: Tu aprendizaje ha estado a medio camino entre Salamanca y Boston. ¿Nos podrías contar como ha sido esta evolución y que te lleva a hacer un salto tan grande en tu carrera?
Raul Allen: Cuando empecé la carrera de Bellas Artes no había usado un pincel en mi vida, me dedicaba al dibujo con lápiz, carboncillo y algo de tinta con plumilla y no mucho más. Mi interés por el arte venía en realidad del mundo del tebeo y los libros y la carrera me abrió mucho los ojos a otros modos de expresión. Me dediqué a probar con todo, desde la pintura, escultura y el diseño hasta el arte sonoro, el performance y las instalaciones. Descubrí que lo importante para mí era contar historias y que el medio que eligiera era sólo circunstancial. La manera en la que esas historias pueden llegar a otras personas si que me pareció algo importante. Y así lo mismo que me llevó al arte se convirtió en mi medio, los libros y los cómics. Estudiar en Estados Unidos me ayudó mucho para  asentar la cabeza y poner las bases de mi trabajo hoy en día.
En Estados Unidos la educación tiende a ser más especializada y en algunos casos un poco impersonal. Se podría decir que se busca formar a creadores de imágenes basándose en principios. No digo que siempre sea así, pero a mi me interesaba esa línea de enseñanza para encontrar un equilibrio con mis estudios en Salamanca. Y creo que funcionó bastante bien.

“Logan’s Run” – Cliente: Penguin Active Readers Series (2009)

enkil: Publicas en numerosas revistas de prestigio tanto españolas como extranjeras. ¿Resulta difícil hacerse un hueco en dichas publicaciones? ¿Cuál es el nivel de exigencia y dedicación que se le pide a un ilustrador en medios ya muy conocidos?
Raul Allen: Todo es cuestión de perseverar, hay que ser insistente. Hay que buscar tu sitio y en revistas internacionales siempre es más complicado así que hay que ser más “pesado”.
Como en todos la mayoría de trabajos de ilustración, se busca que estés a la altura de tu mejor trabajo y para ya!

“¿Quíen mató a Kurt Cobain?” – Cliente: Rolling Stone (2009)

enkil: Para estas publicaciones, ¿Te piden algún tipo de trabajo en concreto o te dan cierta libertad de creación?
Raul Allen: Depende mucho del trabajo, pero siempre se suele partir de un titular o un texto. Hay veces que el director de arte tiene una idea muy concreta que le gustaría ver plasmada con tu estilo y otras en las que buscan que tú propongas soluciones gráficas para el tema que se plantea.

“The lawyers are massing” – Cliente: Business Week (2009)

enkil: Tus ilustraciones tienen una carga romántica y algo bucólica en ocasiones, y sin embargo otras dejan un rastro más oscuro e inquietante. ¿Qué te inspira a la hora de crear y qué quieres transmitir al espectador?
Raul Allen: Igual que antes, todo depende del cliente para el que estoy trabajando. Se trata muchas veces de poner de acuerdo tu visión personal con la del cliente.
Para mí la literatura y el cine son las principales fuentes de inspiración, aunque normalmente salir a la calle a pasear y observar a la gente suele ayudarme a generar muchas ideas.
Me gusta crear escenas que muestren las sutilezas de la realidad con pequeños detalles y matices independientemente del tono que haya elegido.

“Logan’s Run” – Cliente: Penguin Active Readers Series (2009)

enkil: ¿Cual es tu forma de trabajo? Partes de ideas que primero bocetas, te dan ya la idea y tu la desarrollas o tus creaciones van surgiendo casi espontáneamente?
Raul Allen: Muchas veces empiezo simplemente con palabras sueltas que puedan generar ideas y de ahí pasar a bocetos muy sencillos que me ayuden a visualizar esas ideas. Cuando ilustro libros el proceso es distinto, ya que tienes que condensar escenas y situaciones en varias imágenes o incluso en una única ilustración como es el caso de las portadas. En ese caso siempre busco crear una ventana a la acción. Un punto de partida que ayude al lector a sumergirse en el mundo que ha creado el autor.

“75¢ Trial” – Cliente: Dallas Magazine (2009)

enkil: También realizas ilustraciones para libros. ¿Cómo es esta experiencia y qué te aporta?
Raul Allen: Los libros son la razón por la que me dedico a esto así que me apasiona trabajar con textos largos. Ilustrar libros para mí es una aventura, los artículos de un periódico o una revista tienen otra intención ya sea divulgativa o de opinión, son más una transmisión de eventos o conocimientos sin embargo los libros son una puerta a la aventura.

“The Rise of Renegade X” – Cliente: Edgemont USA (2009)

enkil: Entre tus publicaciones para editoriales, libros, spots de TV, diferentes campañas etc.. ¿Te queda tiempo para tu trabajo más personal?
Raul Allen: Más bien poco, porque aunque me apasione trabajar también me gusta hacer otras cosas… Hablando en serio, es complicado y creo que requiere mucha disciplina trabajar en proyectos personales entre trabajo y trabajo. Normalmente suelo dibujar del natural, en la calle, en el metro o en un café porque me libera de representar algo que haya elegido otra persona y cuento con total libertad.
A veces me gusta participar en otros proyectos personales colaborando con gente en otros formatos. Por ejemplo con Raquel Aparicio y Sae he colaborado en varias animaciones y diseños. Y ahora mismo estoy trabajando con César Fraile en un par de videoclips.

“Poesía contemporanea en Madrid” – Cliente: Madriz (2009)

enkil: ¿Cuales son tus herramientas de trabajo? ¿Qué materiales sueles emplear?
Raul Allen: Últimamente he “simplificado” mucho la lista por el ritmo de trabajo que tengo y por los resultados que busco. Antes utilizaba de todo, pasteles, acuarelas, acrílicos, óleos, carboncillo, café, mantequilla, sardinas, cabezas de pollo (no es broma)…
Ahora con un lápiz, papel o poliester y mi ordenador me las arreglo bastante bien, además así mi estudio ni huele mal ni nadie se piensa que me dedique al vudú o a algún otro tipo de ritual.

“Fever 1793″ – Cliente: Scholastic (2009)

enkil: Siendo un artista que se mueve tanto a nivel nacional como internacional, ¿Dónde crees que hay más posibilidades de publicar? ¿Cómo ves el mundo de la ilustración dentro y fuera del país?
Raul Allen: Hoy en día se puede trabajar en cualquier parte, el mundo de Internet nos une y nos separa a partes iguales. Yo trabajo cada vez más en Estados Unidos, porque los precios y la difusión son mejores que los que puedes encontrar aquí en España. Pero las propuestas son interesantes tanto aquí como en Inglaterra o China. El problema de España es que salvo la publicidad el resto de los trabajos están mal pagados. Para que te hagas una idea, por lo que cobro en Estados Unidos por una portada de un libro aquí te piden que ilustres el libro entero a color.

“Logan’s Run” – Cliente: Penguin Active Readers Series (2009)

enkil: Viendo tus storyboards me viene a la cabeza la imagen de los cómics, algo que se que también has trabajado. ¿Cómo ves el mundo del cómic? ¿Tienes intención de realizar alguno en un futuro?
Raul Allen: Ahora mismo estoy trabajando en uno, es para un tema de publicidad y no puedo comentar nada. Es un mundo apasionante, yo siempre lo he disfrutado más desde fuera, pero los dibujantes de cómic y los animadores siempre me han parecido unos locos muy felices (aunque algunos vayan de tristes), creo que les mueve una pasión increíble y la verdad es que me dan mucha envidia sana. Cuando colaboré con David Aja en The immortal Iron Fist la verdad es que me lo pasé muy bien. Y claro, colaborar con David es todo un placer. Estaría bien repetir un día de estos.

“Logan’s Run” – Cliente: Penguin Active Readers Series (2009)

enkil: ¿Contemplas la posibilidad de exponer tus ilustraciones o estas están destinadas a las publicaciones impresas? ¿Crees que un ilustrador puede exponer igual que un pintor o un fotógrafo?
Raul Allen: Justo ahora mismo tengo una exposición de mi trabajo aquí en Valladolid. Por supuesto que un ilustrador puede exponer su obra del mismo modo que un pinto o un fotógrafo. Existen distintos circuitos normalmente, pero eso es más bien porque tendemos a etiquetar todo lo más posible.

“Logan’s Run” – Cliente: Penguin Active Readers Series (2009)

enkil: ¿Que importancia tienen Internet y las nuevas tecnologías para un ilustrador y para un artista en general?
Raul Allen: Toda! Lo comentaba antes, tu trabajo se puede ver en cualquier parte del mundo. Tiene sus peligros claro, pero eso vamos, yo llegué a fotocopiar tebeos cuando tenía 14 años (si, era así de friki) antes de que se prohibiera hacer ese tipo de cosas pero yo le veo más ventajas. Compartir y difundir el conocimiento hace que todo se disfrute mucho más.

“Logan’s Run” – Cliente: Penguin Active Readers Series (2009)

enkil: ¿Qué te gustaría hacer que no hayas hecho todavía?
Raul Allen: Estuve a punto de hacer una valla publicitaria en Nueva York antes del final de las series mundiales y no es que me guste el beisbol, pero hubiera estado muy bien.
Y dibujar Batman no me importaría nada…

“The way of recovery” – Cliente: City of Hope (2009)

enkil: ¿Cuáles son tus artistas favoritos? ¿Ha influenciado de alguna forma en tu trabajo alguno de ellos?
Raul Allen: Mucho, mucho. Puff, he tenido muchísimas influencias desde pintores clásicos, directores de cine, dibujantes de cómics y compañeros de facultad, a colegas de profesión, la lista es muy larga y cambiante. Hoy por hoy miro mucho el trabajo de Guido Crepax, Jaime Hernández, Raquel Aparicio. Pero cuando trabajo en un libro por ejemplo me gusta irme a los clásicos por ver su sentido de la luz, la acción y la composición.

“Logan’s Run” – Cliente: Penguin Active Readers Series (2009)

enkil: ¿Qué le aconsejarías a alguien que empieza en el mundo de la ilustración y quiere dedicarse a ella como medio de vida?
Raul Allen: Que dibuje y dibuje (o que haga collage o cualquier otra forma de expresión en la que se sienta seguro), que tenga claro lo que quiere hacer y que investigue donde puede publicarlo. Sabiendo eso sólo hay que llamar a las puertas una y otra vez. Si no existe una publicación que la cree y la distribuya. Lo importante es saber lo que quieres.

“Logan’s Run” – Cliente: Penguin Active Readers Series (2009)

enkil: ¿Qué planes tienes para un futuro inmediato?
Raul Allen: Tal vez en cuanto termine los tres libros y el cómic que tengo entre manos deje de posponer las vacaciones de una vez…

“Logan’s Run” - Cliente: Penguin Active Readers Series (2009)

Raul Allen expone estos días en la Sala Cultural de Caja España en Valladolid (Plaza Madrid nº 1). La muestra la componen una treintena de obras donde se pueden ver ilustraciones para revistas y algunos de los últimos libros en los que ha trabajado. Habrá originales a lápiz junto a una impresión de la imagen acabada. César Fraile ha hecho una pequeña animación que muestra el proceso de trabajo en la portada de ‘The Rise of Renegade X’. La intención es dar una idea del proceso desde el boceto al dibujo y color y como aparece luego impreso en distintos medios. Podéis ver la información completa al respecto en su web y en sendos artículos de El Mundo y El Norte de Castilla.

“Mask” – Cliente: Digital Temple Magazine