Tanya Shatseva – Borderline Style

Tanya Shatseva© - Colourful Me
Tanya Shatseva© – Colourful Me

Tanya Shatseva es una artista rusa que trabaja la pintura plástica tradicional. De niña su familia se movía mucho por todo Rusia, lo que le causó según sus palabras, un estado limítrofe y un sentimiento de desapego de todas partes, pero a la vez le dio una libertad que acabaría plasmando en su trabajo. Tanya se obsesionó con la pintura desde muy pequeña, pero no es hasta los 21 años que decide dedicarse a su arte a tiempo completo. Su formación es totalmente freelance, sin ningún aprendizaje académico al uso, lo que no impide que desarrolle un talento innato que culminará en unas excelentes pinturas sobre todo en acrílico y acuarelas.

Tanya Shatseva© - Self-Crowned
Tanya Shatseva© – Self-Crowned

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Adam Caldwell – Expresionismo Abstracto

Adam Caldwell© – Last Judgement

Adam Caldwell es un artista nacido en Framingham, Massachusetts en 1963. Se licenciaría con honores en el California College of Arts and Crafts (CCAC) en 1998 y es profesor de Bellas Artes a tiempo completo desde el 2001. Sus obras mezclan elementos del expresionismo abstracto con la figuración clásica, comienzan con un fondo abstracto al que va añadiendo detalles más realistas, dando un resultado final cercano al collage. Sus obras son casi en su totalidad óleos sobre lienzo.

Adam Caldwell© – Wreck

Adam Caldwell© – Hospital

Adam Caldwell© – Funeral

El contenido del trabajo de Adam Caldwell plantea preguntas sobre la identidad humana, en particular el género y los roles de la sexualidad. Entre sus influencias artísticas se encuentran Odd Nerdrum, Francis Bacon y Barron Storey, un profesor del CCAC. También cita como influencias el filósofo Daniel Dennett y su abuelo, el autor Erskine Caldwell, así como la música, las películas y los cómics que dan forma a su identidad. Las pinturas de Caldwell son manifestaciones de espacios imaginarios procedentes de lugares históricos, salpicados de abstracciones y figuras y unidas por un sentido del clasicismo evidente en la exploración de la forma, el color y la composición.

Adam Caldwell© – Teargas

Adam Caldwell© – Old Chinese Men

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Fredrik Ödman – Entre la Imaginación, la Lógica y la Locura

Fredrik Ödman© – The Creation Serie

Fredrik Ödman es un fotógrafo nacido en Ängelholm, Suecia.  Sus primeras inclinaciones artísticas fueron el dibujo y la pintura, hasta que hace unos 10 años descubrió el mundo de la fotografía y el photoshop que lo ha absorbido por completo. Habla inglés, noruego, sueco y danés, pero su lenguaje principal es el pictórico, un lenguaje con el que, a través de sus creaciones, nos describe un mundo a veces oscuro, a veces divertido y a veces aterrador. Su trabajo está perfectamente ejecutado, rodeándolo de fantasía y simbología, cuyas dosis de provocación atraen sin duda al espectador.

Fredrik Ödman© – The Creation Serie

Fredrik Ödman© – The Creation Serie

El detalle de su obra no es casualidad, algunas imágenes le pueden llevar 100 horas hasta conseguir el resultado final, como el mismo explica:  “A veces pasan varios meses antes de que termine una imagen. Mi proceso de imagen se compone de algunos trabajos preliminares, que es seguida por una más o menos completa idea en mi cabeza, una sesión fotográfica y luego terminarla en mi equipo. El trabajo preliminar puede consistir en la fabricación de objetos, pintura de fondo, maquillaje e iluminación. Durante la sesión fotográfica, las imágenes se toman con una cámara Mamija RZ de formato medio y una Nikon D50, que se convertirán en parte de la imagen. Photoshop me ayuda a combinar todos los elementos en mi ordenador, utilizando una sencilla técnica de collage. En algunas imágenes, casi todo es creado digitalmente y la foto simplemente sirve como una base pero por supuesto, algunos de mis tiros más sencillos requieren, color, ajustes de contraste y el nivel de retoque”.

Fredrik Ödman© – The Creation Serie

Fredrik Ödman© – The Creation Serie

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Sayaka Maruyama – Fotografía e Inspiración

Sayaka Maruyama© – Memento Mori

Sayaka Maruyama es una artista nacida en Japón. A la edad de 12 años se trasladaría junto a su familia a Holanda, donde permanecería tres años y cuya cultura le influenciará de muchas maneras, especialmente en los términos de su educación artística. Después de graduarse en la Universidad de Arte de Tokio, trabajaría como artista conceptual bajo el nombre de Neon O’clock Works, junto al peluquero Tomihiro Kono.

Sayaka Maruyama© – Japan Avant Garde

Sayaka Maruyama© – The Starless Night

Maruyama ha realizado varias exposiciones de fotografía como Neon O’clock Works en Tokio y publicó un libro de fotografías llamado “Krageneidechse” en el 2007. No mucho tiempo después se trasladará a Londres donde su interés por la fotografía se haría mucho más fuerte, empezando a trabajar como fotógrafa. Sus trabajos fotográficos como Neon O’clock Works ha sido exhibido en varias galerías de Londres como Soho gallery, Claire de Rouen Books, etc.

Sayaka Maruyama© – Tori-Onna

Sayaka Maruyama© – Return to Nature

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Kaveh H. Steppenwolf – Ignotum Per Ignotius

Kaveh H. Steppenwolf©

Kaveh H. Steppenwolf es un artista que nos llega desde Königstein im Taunus, Alemania. Aunque la base para su trabajo es la fotografía, el resultado final se consigue una vez pasada esta por el túrmix del ordenador y los programas de edición, algo que aunque parezca frío y fácil resulta mucho más complejo de lo que se cree. El resultado, tanto en blanco y negro como en color resulta tan inquietante como atractivo.

Kaveh H. Steppenwolf©

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Philippe Berthier – Emociones Abstractas

©Philippe Berthier

Philippe Berthier es un fotógrafo francés independiente y autodidacta de 42 años de edad, que vive y trabaja en Montpellier. Aunque dice no tener un tema predilecto para realizar su trabajo, lo cierto es que sus foto-composiciones tanto de retratos como de desnudos son lo que nos llama más la atención y lo que más destaca. Su trabajo tiene un claro enfoque hacia la liberación de emociones. Juega con el aspecto antiguo y desgastado de sus imágenes, para transmitirnos una sensación de irrealidad, misterio y cierta decadencia. Ha hecho varias exposiciones, como la realizada en 1997 sobre el mundo de los gitanos y en 1998 sobre el mundo del espectáculo, épocas de una fotografía más realista que ha desembocado en su actual orientación hacia un trabajo más figurativo y abstracto. Podéis verlo también en Art Limited.

©Philippe Berthier
©Philippe Berthier
©Philippe Berthier

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Aitor Ruiz de Eguino – Fuerza, Locura, Imaginación…

Aitor Ruiz de Eguino, es un artista que expande su arte a través de la escultura, pintura, cerámica… acompañando ese crecimiento de libertad. La libertad de las formas, del movimiento, de los colores…

Le doy las gracias, por concederme esta entrevista y, agradezco tener la suerte de que comparta con “Uno de los Nuestros” su arte y, su manera de ser en parte a través de sus palabras…

Silvia: Mi primera pregunta, tomada de Enkil. ¿Quién es Aitor Ruiz de Eguino?
Aitor Ruiz de Eguino: Una persona de 37 años, hijo único, padres de clase trabajadora, diplomado en ciencias empresariales, que vive en Hernani y hace 3 años optó por dejar su trabajo bien remunerado por el tema “éste” del arte. Quizás lo más importante de mi vida es que llevo conviviendo muchos años con una persona que amo y me apoya en lo que hago. En definitiva, una persona “afortunada de la vida”, como digo cuando he bebido algo más de la cuenta y que quiere seguir viviendo.

Silvia: Escultura, pintura, cerámica… ¿Qué te aporta cada una de ellas?
Aitor Ruiz de Eguino: Todas las disciplinas me aportan “algo”, he hecho música, teatro, video, diseño, fotografía, grafitti… y espero y tengo la intención de seguir haciéndolo. Pero, supongo que por mi modo de ser, la escultura, las tres dimensiones, es lo que mas me pone. Me aporta la satisfacción de poder “crear” o traer algo que no exista y convertirlo en algo tangible, físico y espiritual. Lo considero algo más “verdadero” con más presencia y real que la pintura aunque la pintura también me encanta. Cada vez más. La escultura requiere más trabajo físico, creo que todo tu ser participa más activamente en la obra, la fuerza, delicadeza, locura, imaginación. Considero que la escultura es una disciplina a la que más vida puede inyectar un “artista”, más parte de sí.

Silvia: Ni pinceles, ni lienzos en tus obras. Pinturas en spray, superficies de aluminio… ¿Forma parte del querer experimentar?
Aitor Ruiz de Eguino: Si, pero sobre todo de jugar y disfrutar. Me da absolutamente igual que material utilice de base o para aplicar la pintura. He utilizado lienzos, utilizo pinceles, he pintado sobre cerámica, resinas y espero poder hacer cualquier cosa con total libertad.
En estos momentos, sí que estoy utilizando superficies de aluminio para pintar porque me ofrece posibilidades más amplias que un lienzo normal. Consigo texturas personales gracias a las herramientas de escultura que tengo.

Silvia: A todos nos producen sensaciones los colores; cada uno de ellos aporta un sentir distinto, una de las características de tu obra, es la composición de esos vivos colores. ¿Qué pretendes transmitirnos a través de ellos?
Aitor Ruiz de Eguino: Me encantan los colores primarios. Creo que el hecho de dedicar tiempo a la escultura me influye en la manera de aplicar el color. Quizás influido por esa “verdad” de la escultura, aplico colores de manera más gráfica, en masas homogéneas de color.
Vida. Vida es lo que intento transmitir. Con rojos, amarillos, azules, sin complejos.

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